Reseña "La casa de Bernarda Alba"

 La casa de Bernalda alba fue una obra teatral escrita en la primavera de 1936, al parecer en pocos días. Se trata de una obra perteneciente al poeta y dramaturgo Federico García Lorca, que nació en Fuente vaqueros, en 1898 y falleció en Viznar, un pueblo de Granada, en el que fue asesinado en 1936. Ésta fue la última obra de Lorca ya que poco después vino su muerte.

                Su estructura externa se compone de tres actos con acotaciones cada vez que se inicia uno de estos, estas acotaciones son bastante precisas; la escena siempre comienza y acaba con silencio. En cuanto a su estructura interna podemos decir que se aprecia tres partes distintas en la obra: primero, aparece una exposición de la situación, una localización-espacio en la que se dice que ha muerto el señor Alba y que Bernarda va a imponer el luto en su familia. En la segunda parte, el desarrollo anuncia la  boda de Angustias con Pepe el romano, y a partir de este momento la atención va en aumento. Se muestra las envidias y amores de las demás hermanas, donde aparece el misterio de las ventanas y de los encuentros nocturnos. El momento cumbre es cuando se desvela que Adela y Pepe habían mantenido una relación. La ultima parte, es decir, el desenlace, tiene un final trágico. Esto se refleja con el suicidio de Adela al creer que su madre ha matado a su amado Pepe.

Podemos decir que la temática principal  de esta obra es la compostura, es decir, el mantenerse firme para controlar la apariencia ante en pueblo. También cabe destacar la figura de luto que se impera dentro de la familia y que da un toque simbólico a la obra. En esa situación extrema,  los conflictos, las fuerzas, las pasiones, se desarrollarán hasta la exasperación.

Catalizador de las fuerzas encerradas en la casa será la figura de Pepe el Romano, pretendiente o novio de angustias, hija mayor y heredera, pero atraído por la juventud y belleza de Adela, la menor, y amado a su vez por Martirio. Tal es la situación de la que arranca Lorca para dar cuerpo dramático a su temática más personal y profunda. El tema central de la obra es el enfrentamiento entre autoridad y libertad, o el conflicto entre la realidad y el deseo.

Podría hablarse de rebeldía contra represión, de naturaleza contra tradición…frente al autoritarismo y a la represión representada por Bernarda Alba, las hijas encarnarán una gama de actitudes que van de las más pasiva sumisión frustrante hasta la rebeldía mas abierta, imposible. Para acabar de desarrollar la temática de la obra, decir que en el tema principal se encuentran las apariencias y el qué dirán de las otras personas, por eso se trata todo con especial atención dentro de la casa.

Hay que decir que se dan pocas acotaciones, principalmente al principio de cada acto, en el que Lorca describe la estancia interior de la casa en la que va a tener lugar la escena con el objetivo de dar esa sensación de opresión. Hay un gran número de diálogos, los cuales se enfocan hacia una misma historia: la opresión y el amor. Todo responde a un esquema tradicional de unidad y acción (forma tectónica). Esta obra hay que señalarla como drama rural (o teatro burgués), que describe las costumbres de la época.

 El lenguaje utilizado por el autor, que se puede observar claramente la maestría del diálogo, se caracteriza por su fluidez, el nervio y la intensidad. Predominan las réplicas cortas y rápidas y a menudo llama la atención su sentenciosidad. Se une realidad y poesía. El lenguaje lorquiano tiene además un intenso sabor popular; está fundamentalmente enraizado en el habla popular, especialmente en el andaluz, lo cual se puede observar claramente en los giros y palabras, en el gusto por la hipérbole y en la creatividad. Se debe mencionar también la dimensión poética del dialogo, cargado de simbolismo: imagines y comparaciones. Con ello se crea una atmosfera dramática y se consigue una individualización de los personajes.

En cuanto a los personajes, señalar como principal a Bernarda, mujer con fuerzas represivas que da importancia a las apariencias y se opone a los impulsos eróticos: la decencia, la honra, la obsesión por la virginidad. Se le atribuye autoridad, poder indicado por el bastón, que siempre lleva en escena, y por su lenguaje prescriptivo (ordenes, prohibiciones “silencio”). Además en un plano principal encontramos a las hijas, quienes viven entre la reclusión impuesta y el deseo del mundo exterior (“querer salir”). Todas ellas están más o menos obsesionadas por lo erótico, unido a la idea del matrimonio lo cual les da la libertad. Las cinco hijas de Bernarda encarnan un abanico de actitudes que va desde la sumisión o la resignación, a la rebeldía, estas son, (nombrando las principales): Adela, quien es el reflejo del deseo de libertad, libertad que finalmente consigue quitándose la vida. Angustias, modelo de chica clásica de la época obediente, y Martirio, persona que comenta todo lo que sus hermanos hacen. Cabe destacar también al personaje de Mari Josefa, abuela que mezcla locura y verdad y agranda los problemas centrales como son la frustración de las mujeres, la maternidad, el ansia de libertad, etc.

Basándome en el tiempo, explicar que en cuanto al tiempo de la historia total, solo sabemos que transcurre en verano, empezando por el día del funeral de marido. Se habla de tiempo concreto en alguna ocasión mediante las campanas que señalan las doce, por ejemplo.

En el segundo acto, no hay apenas sensación de paso del tiempo, ya que Lorca no la señala. Si se señala constantemente el calor asfixiante del clima de la época del año, lo cual simbólicamente se puede definir como un clima de tensión y agobio que se vive dentro de la casa.  En el tiempo de la acción, vemos horas distintas que se exponen en momentos puntuales. Tiempo y espacio tienden a crear ese clima de tensión dentro de la casa.

En cuanto al espacio, aportar que la acción se desarrolla en casa de Bernarda Alba, un espacio cerrado. Es el mundo de luto, del silencio, de la ocultación, en fin, un espacio propicio para situaciones límites. Este lugar es comparado a lo largo de la obra con un “convento”, un “presidio”, un “infierno”, transmite una atmosfera sofocante. Parece faltar el aire, el agua, en este mundo que pone barreras a las fuerzas de la vida, “en el que se respira la muerte”. El pueblo en el que tiene lugar la acción esta mal considerado por tener pozos en lugar de ríos. En este caso el río simboliza la fuerza vital, el erotismo; mientras que el pozo indica claramente la muerte. También se indica que se trata de un pueblo sin río donde el agua “podría estar envenenada”, aquí se muestra la desconfianza y maldad entre los distintos ciudadanos del pueblo. Vemos poca dependencia de la casa, la primera habitación es todo blanco y pulcro, signo de limpieza, y la segunda habitación (patio interior), simboliza lo cerrado, de ambiente nocturno y de color blanco.

Aparecen mencionadas acciones que se realizan en la calle pero no se representan, por ello la calle y los ventanales, a los que las hijas nunca llegan a asomarse, son espacios latentes.

Como he comentado anteriormente, hay que señalar la obra de teatro como drama rural (o teatro burgués), que describe las costumbres de la época. La finalidad con la que el autor escribió esta obra, como todas las de aquella época, fue para describir la sociedad tan rígida que se daba entonces. Hay que decir que en el año 1945 se edita la obra y se lleva a escena. Diez años mas tarde, en 1954 vemos en España una edición realizada por Aguilar, obra muy extensa y clara. Es representada por el grupo de teatro  “La carátula” y en 1964, Juan Antonio Bardem, es el que la representa. Esta tiene bastante eco; hace una interpretación política y social, dando el sentido de la cotidianidad. También tuvo interpretaciones de carácter feministas, pero la obra de 1987 fue la representación más fiel.

 Para completar la información, una pequeña biografía de Lorca: fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por sus destrezas en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de gran influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX junto con Valle-Inclán y Duero Vallejo. Murió ejecutado tras la sublevación militar de la guerra civil española, por su afinidad con el frente popular y por ser abiertamente homosexual.

En conclusión, como trama se presenta una realidad conflictiva en la que el autor permanece oculto en el desarrollo de la obra y la actitud externa es extrañada. La obra coincide con los hechos externos a ella, es decir, esta situación también se daba en la realidad, se narra desde un punto objetivo. La intención del texto no era de instrumentación política, es decir, no era para atacar al régimen político. La función principal es la apariencia con respecto a un ansia de libertad que se refleja en todos los aspectos de la obra.

LA PAZ PERPETUA

En un lugar secreto, tres perros compiten para conseguir un collar blanco y con él la distinción de perro antiterrorista de élite, “una profesión con mucho futuro”. A través de sucesivas pruebas a las que son sometidos, trasciende uno de los más acuciantes dilemas éticos de la vida política y social de hoy. Se aborda el tema del terrorismo y se debate hasta dónde podemos llegar para combatirlo.

La obra, La Paz Perpetua atrapa al público y le invita a un examen de conciencia. Nos habla del hombre contemporáneo a través de la boca de los animales. La paz perpetua nos habla directamente a la cara de los dilemas éticos de la lucha antiterrorista.

Los tres protagonistas, Odín, Jhon-Jhon y Emanuel, junto con un veterano perro lisiado llamado Casius y un Ser Humano, se embarcan en una lucha sobre las ideas y los puntos de vista. Abundan las citas de Pascal, así como las referencias a la existencia de Dios y a Kant y a su obra La paz perpetua. Para el Ser Humano, dicha paz "comienza con un enorme cementerio mundial". Estos canes bípedos mordisquean, gimen y ladran sus palabras sobre nosotros, dentelladas de rabia para hacernos pensar. Durante el transcurso de la representación asistiremos a las luchas internas entre los perros, especialmente entre Odín y Jhon-Jhon, por lograr el triunfo y obtener el collar K7. Entre esta liza se abre paso el discurso de Emanuel que comienza por introducir la cuestión de la existencia de Dios. Ante este asunto Emanuel planteará la posibilidad de un Dios de los filósofos, un Dios aristotélico que no interviene en el mundo de los hombres.

La paz perpetua es una obra crítica que busca la reflexion del espectador a partir de los enfrentamientos de los discursos morales que aparecen al final de la misma. La violencia es el tema principal de la obra, la tortura al individuo como si fuera un perro a la vez que el que tortura actúa como otro perro, dicho de otro modo, cuando llegamos al extremo dentro de una sociedad no humanista, los ciudadanos son educados para actuar como bestias y someter a los demás como si estos fueran bestias tambien. Esto es lo que Mayorga plantea en su obra, una denuncia a la violencia ejercida por la ley y sobre todo por el Estado de Derecho. En otras palabras, Dos temas claros son los que plantea la obra de Juan Mayorga: cuál es la responsabilidad de la sociedad al afrontar el terrorismo y si los medios empleados para sacar información a posibles sospechosos de terrorismo constituyen un progreso o justamente lo contrario.

El poder y la violencia en "Bodas de Sangre"

Con esta entrada se hará un breve comentario centrado en la obra de Bodas de Sangre, analizando en ella el papel del poder y la violencia. Estos dos conceptos son importantes en la obra de Lorca.

 La obra refleja la ira, el odio, el rencor. Es evidente que el término de violencia será sin duda una de las principales cuestiones de la trama. A lo largo de la tragedia encontramos muchos ejemplos, veremos la violencia explícita, que responde siempre con la muerte. Por otro lado, vemos también la violencia simbólica, esa que no se dice explícitamente, pero que en realidad es más cruel.

A lo largo de la obra podemos encontrar casos de violencia de una u otra forma, es decir, tanto explicita como simbólica. Así pues, el caso de la muerte del novio y de Leonardo sería un claro ejemplo de violencia explícita en la que ambos intentan herir al otro con la navaja. Aquí podemos apreciar el poder del odio, de la venganza, de los celos…que es lo que les lleva a ambos a la muerte.

Podemos decir que son tales los sentimientos en la tragedia, que mueve a los protagonistas a morir por amor, por honra o por celos. En otras palabras, en aquella época la violencia y el poder eran las armas, los mecanismos a través de los cuales se enfrentaban las disputas.

Como ya hemos dicho, el tema del poder, la honra, la venganza y la violencia eran frecuentes en las obras de Lorca, todo dentro de un ambiente contemporáneo, donde los hábitos y costumbres de los personajes han permanecido impermutables a lo largo del tiempo. Como vemos, la violencia y el poder están aliados en esta obra, el amor desesperado de la novia y Leonardo, la sed de venganza y la ira por parte de la familia del novio son los desencadenantes de una serie de conflictos violentos que traen siempre el peor de los castigos, como es, la muerte.

"Don Álvaro o la fuerza del sino"

    Es una obra de teatro del Duque de Rivas, estrenada en el Teatro del Príncipe de Madrid, el 22 de Marzo de 1835. Se trata de la obra que consolida y hace triunfar el Romanticismo en España. La obra es considerada por la crítica como el drama inaugural del teatro romántico español. No es casual, pues toca una gran variedad de temas como el amor, el honor, la venganza, la religión, la muerte, el héroe romántico y el sino.

     Por un lado encontramos el tema de la fuerza del sino, que se refiere a la fatalidad que se abate sobre Don Álvaro hasta su muerte. En efecto, esta fatalidad le impedirá vivir su amor con doña Leonor, y acabará matando al Marqués y a sus hijos.

    Por otro lado, gira en torno a toda la obra el tema del amor. Don Álvaro aparece solitario, misterioso y consumido por la pasión amorosa hacia doña Leonor. El inicio del problema está en el amor, o mejor dicho la pasión entre don Álvaro y doña Leonor, que será muy breve debido a que será destruido por los deberes que la sociedad impone y por la familia de Leonor.

    Otro tema que cabe destacar es el destino entendido como "fuerza fatídica" que domina la vida del protagonista y de los demás personajes, que causa sus muertes y que en el caso de Don Álvaro le hace perder incluso a su amada Doña Leonor; esto representa que el amor es vencido por el destino.

   Las violentas muertes de los personajes tienen como causante directo o indirecto a Don Álvaro, que incluso se quita la vida al final de la trama, reconociendo el poder del destino fatal sobre él.

  También aparece la venganza y la honra, sobre todo expresada en forma de duelo. Ese anhelo de vengarse parece salvar la honra familiar que ha sufrido una ofensa. En la obra, la furia del Marqués se transforma en deseo de venganza que pasa, como una obligación, a sus hijos.

   Después de resumir los temas característicos de la obra vamos a pasar a la división en partes. La obra se compone de cinco actos de los cuales podemos obtener principalmente tres partes; a continuación analizaremos la última parte de la obra.

   Esta última parte consta de una acotación teatral en que nos presentan el lugar en que se encuentra el protagonista, su vestido y su manera de expresarse. A continuación don Álvaro pronuncia un largo soliloquio. En él se queja de lo mal que le han tratado la vida y el destino, aunque extiende la desgracia a todo mortal que como él nace en signo terrible, es decir, con un destino adverso. Insiste que el cielo parece jugar con la vida de los seres humanos de tal manera que a quien está feliz en este mundo, le acorta la vida y, por el contrario, a quien es desdichado y busca la muerte, se la alarga.

  Él, evidentemente, se considera uno de los que han nacido para ser desdichados, y por ello no encuentra la muerte aunque la desea y habla de que solamente ha disfrutado un día de placer, refiriéndose seguramente a su breve dicha con Leonor, pero insiste en que si aquella felicidad hubiese durado algo más, la muerte precoz, con su guadaña feroz, mi cuello hubiese segado.

 El texto refleja profundamente la manera de pensar ideológica y estética del romanticismo pleno con su extremosidad, gesticulación,  tenebrismo y presencia de temas como la libertad, o su contrario que es el destino, el yo angustiado y en conflicto, y la profunda desconfianza en la razón como algo que pueda explicar el misterio de la vida humana (y su sino) o dominar las fuerzas irracionales como el honor, el amor etc…que llevarán a la desgracia a todos los personajes de esta obra.

  Este romanticismo, por su propia radicalidad, durará poco y, finalmente, se impondrá en el gusto el de Bécquer y Rosalía de Castro que supieron “filtrar” los elementos más exagerados de esta fase y ser fieles al espíritu profundo del romanticismo, una de las más serias conquistas del pensamiento humano.